#34# “ROOMS” DE COHEN (O JUGANDO A SAW)

cohen

Las habitaciones que nos proponen aquí los asalvajados Cohen es algo parecido a las mil cámaras de la famosa saga de James Wan. Te despiertas un día, en un cuarto que creías tranquilo y de golpe te encuentras en una yincana de trampas, cada cual más sorprendente y mortal. Para quién no conozca a los guipuzcoanos, este es el 4º álbum de su carrera, nada desestimable si tenemos en cuenta que llevan 300 conciertos a sus espaldas y han teloneado a Refused, referencia recurrente cuando se escuchan sus canciones, con un punto imprevisible y esquizoide. A eso me refiero cuando los comparo a Saw, hay un giro macabro en cada una de las ocho piezas editadas con mucho mimo por Desert Pearl Union, PickYourTwelve y FairWarning. Responsables del sonido de este último trabajo de trío son también Juan Blas de Nothink, quien les ha grabado en Westline Studios y Víctor García de Ultramarinos que le ha dado el master final. Por si fuese poco la edición en vinilo 12” es soberbia, entre la simbología satánico y la psicodelia hippie, un binomio oximorónico demencial.

¡Analicemos sus golpes fuertes! Llevo tantas semanas obligada a reseñar a productores de música electrónica, que cuando oigo las primeras notas de “Skywalker”, parecen las texturas de una espaciosa composición ambient, hasta que arranca la voz, indiscutiblemente a Refused, con fragmentos más melódico en la estela de Enginedown. Desde la primera pieza hay curvas peliagudas, entre la tensión contenida y la detonación final, la calma y la rabia, parece un remix de muchas canciones juntas. Para quién crea que el disco se va a disputar así llega “Renegade” más en sintonía con el math-rock, hasta desembocar en un hardcore más inmediato. En “Swan Song” la metralla de batería rompe la principal intuición de que iba a ser suave, entre esta canción y la banda Swans se me ha roto la concepción de que los cisnes eran sobrios y elegantes, ¡menuda tralla meten los cisnes! Ojo al susto del minuto 1:40. en la órbita de “Where Idols Once Stood” de Thrice. Si tuvieses que estar encerrado en una de estas canciones, ¿cuál elegirías? Mi favorita corre a mano de un factor externo, Wenda Novak es la encargada de poner voz a “Schröndinger’s Cat”, dándole un toque entre dulce y ácido a la épica de que habitual destila el disco.

cohen rooms

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#33# Mineral + Into it. Over it. @Black Cat (o la celebración de lo emocional)

Mineral-2014

El pasado Abril de este año, como si un huracán de nostalgia se tragase dos bandas míticas y las escupiese directas a la exaltación de la necesidad de revivir las vivencias del sentimiento adolescente de los ya veteranos en la escena y de los aspirantes a completar el puzzle emocional más joven, se anunciaban dos esperadas giras de reunión. Muchos ya sabéis de lo que hablo y muchos nos frotamos los ojos aquel día ante la noticia de que Mineral y American Football ofrecerían un limitado número de shows en los Estados Unidos. American Football tuvo un gran sold out en ni siquiera un día. Mineral por el mismo camino, pero a un ritmo más lento. Y yo; pues comprándome la entrada “por si acaso” en Washington DC antes de comprarme el maldito billete de avión.

Puede sonar ridículo y, de verdad, no por esta acción me considero más fan que nadie, ni mucho menos, pues yo en aquella época, del 94 al 97, todavía casi tenía problemas para gestionar mi vida social infantil y el peso de los libros de texto del colegio en mi mochila. Pero el retorno a la sensibilidad que me hicieron vivir después, ya mayorcita y no hace tanto tanto tiempo, bien lo merecía.

Tarde ajetreada la del pasado día 9 de Septiembre, fecha del evento, con resquicios de Jet lag acumulado durante días. No sé si estaba nerviosa por el hecho de ir a ver un concierto que probablemente no podría ver en el mismo contexto nunca más, por el hecho de lo raro de ir sola yanniversary no tener a mis amigos disfrutándolo conmigo o del miedo a ser atracada en U street a punta de pistola mientras iba con mi idiotez guiri aparentando ser de allí de toda la vida. No es divertido, enserio, es que yo salía de casa a ritmo de DC es la segunda ciudad con murder rate más alto en el país. Pero daba igual, una vez más, la música me dio una patada en el culo para salir de casa la mar de digna. Y así, con estas sensaciones llegue a un Black Cat mítico y cerrado para aguardar en una cola casi perfecta y ordenada. Tranquilidad y expectación. Y puntualidad.

Admiración por un ambiente respetuoso, amigable, expectante y emocionado. Tranquilidad en una sala lo bastante espaciosa y bien distribuida para que todo el mundo más o menos pudiese disfrutar del espectáculo agusto y lo bueno de ver tan diverso público dentro de una gama de edades bastante extensa y con diferentes apariencias y motivaciones. Lo agradable del conversar y sentirte como pez en el agua destacaba como punto a favor así como el tener todo perfectamente preparado para el show que abriría Evan Thomas Weiss al frente de su proyecto Into it. Over it.

Into-It.-Over-It.1Considerado como una pieza clave del Emo revival vivido a partir del 2010, este músico de Cherry Hill en New Jersey y establecido en Chicago se presentaba en el escenario con la tranquilidad propia de la experiencia ganada desde 5º grado respaldado por la compañía de su banda en gira. Con una actitud agradecida, expectante y visiblemente emocionada comenzaban abriendo enérgicamente a ritmo de distorsión y rítmica directa a atrapar con Embracing Facts de su primer trabajo Proper. Sin parar el ritmo y con una energía vertiginosa mi primera toma de contacto con la banda fue, definitivamente, un viaje de dinamismo, con una linea de batería y bajo y melodías a dos guitarras sin ser complicadas en esencia pero elaboradas con una clase especial que hacían de la calidad musical algo destacable de la actuación. Eso, y la energía que se gastaban para no dejar un hueco del escenario sin aprovechar. Temas de sus dos trabajos publicados (Proper 2011, Intersections 2013) como Spinning ThreadDiscretion & Depressing People o Wearing White fluyeron a través de una sala entregada que coreaba las letras de las canciones interpretadas por el cuarteto. Abriendo boca para lo que se avecinaba cerraban y desmontaban para en diez minutos (sí, lo que leéis) estuviese todo el backline de los de Austin (o Houston, como prefiráis) preparado.

Y así, se daban paso Mineral, sin andarse con chiquitas y entrando directamente con Five, Eight & Ten con el cual una oleada de ovación se amontonaba en forma de empujón hacia elmineral escenario acompañando ese inconfundible riff de apertura del tema. Mientras retumbaba un “And I want to know the difference between what sparkles and what is gold” en la sala, era evidente la emoción de los componentes transformada en la manera de tocar. Era inevitable dejarse llevar dentro del pit que acabó formándose en la sala. La fuerza y la distorsión combinadas con las suaves melodías rasgadas con suavidad responsables de llevarnos por, precisamente, esos senderos abruptos característicos del Emo hicieron que las pensadas y directas guitarras de Chris Simpson y Scott McCarver encajasen tan perfectamente con las líneas rítmicas del bajo y la batería de Jeremy Gomez y Gabriel Wiley que nos dejaron con el sentimiento de haber sido despertados de un sueño de aquellos días de entusiasmo en los 90. Evidentemente no brillaron por su ausencia himnos como ALetterIf I Could&Serenading, Lovelettertypewritter o Parking Lot (para cerrar) que hicieron que aquel momento, épico, fuese infinito. Tampoco faltó tiempo para atender peticiones de los fans que de vez en cuando interactuaba con la banda. Ni para agradecer la vuelta al escenario de la mítica sala del Distrito que ya lleva un largo recorrido siendo una referencia en el mundo de la música independiente.

Tuve que correr para coger el último metro.

Puta maravilla.

Más info:

http://officialmineral.com/

http://intoitoverit.com/

http://www.blackcatdc.com/

Paloma D.

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#32# Kermit – Litoral (o la generación del nuevo milenio)

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Si soy del todo sincera, creo que nunca me hubiese fijado en el proyecto musical de Kermit por mi misma. No por nada en concreto, sinceramente, es simplemente la cantidad desmadrada de información de  la que disponemos hoy día. Musicalmente, miles de bandas navegan, nacen, perecen y divagan en la extensa red que compone el basto mundo digital, coronado a su vez, por el esquema espectral formado por las omnipresentes redes sociales que terminan de saturar la nimia capacidad cognitiva que a uno le queda con el fragor del día a día.

La primera toma de contacto con estos chicos, sin embargo, la hemos de agradecer a la locura anteriormente explicada. En forma de mail, el primero para Atom-ize por cierto, Itaca Records nos presentaba hace un par de meses el grueso de este proyecto de manera bastante organizada, seria y cuidada. Da gusto cuando alguien tiene tan en cuenta los detalles para ponérselo fácil a uno sobre todo cuando tienes que poder llegar a comprender lo complicado de un proyecto que se hace, con un sentido programado al detalle, homenajeando un movimiento difícil de transmitir sin una pequeña introducción.

Mi primera impresión, ante la interesante información que llegaba a mis manos, fue algo así como el sentir una desorganización mental incontrolable. La sensación de no saber ni por dónde empezar. Pasa mucho cuando comienzas desde cero, supongo. Se aparecía ante mi, de repente, de nuevo, la cultura española de principios de siglo XX que retrata la revolución de una sociedad con actitud de progreso y llena de riqueza cultural (la cual, hemos de señalar,  fue inmediatamente fusilada, exterminada y enterrada ante el monstruo del egoísmo anticultural y analfabeto en todos sus aspectos). Tengo que confesar que al ver en primera estancia que la revista Litoral era el elemento fundamental para que estos malagueños se hubiesen currado un disco me dio bastante miedo. Es algo que considero muy osado. El típico experimento que despierta la curiosidad del cumplir expectaciones. Pero claro, conceptuar un disco que dedica su esencia a la generación del 27 no puede hacer otra cosa que no sea, definitivamente, atraparme.

autoficcionDicho lo cual, centrémonos en la música y hablemos del trabajo de Gonzalo Presa (Guitarra, percusión y voces), Miguel Seguí (guitarra, sintetizador y samplers), Paco Trujillo (bajo) y Álvaro Parada (batería, voces, saxo soprano y tenor) que hace que Kermit sea, a día de hoy, un hecho tangible. Con ya un trabajo a la espalda, Autoficción, en forma de debut nacido en Noviembre de 2012, los chicos tímidamente ya se dieron a conocer dando los primeros pasos de forma decisiva. Dos años después nos presentan un homenaje como una entrega más de la revolucionaria revista que nace en el año 1926 de mano de  los grandes Emilio Prados y Manuel Altolaguirre. Después de un siglo, la pequeña revista sigue subsistiendo gracias al gran esfuerzo de preservar lo que la memoria y trabajo de Lorca, Dalí, Neruda, Picasso o Manuel de Falla (entre muchos otros grandes ilustres autores y artistas) fue el comienzo del esfuerzo por luchar y no perder la riqueza cultural que siempre ha estado por germinar en el país.

1926 es el título del primer tema que abre Litoral. Año de la fundación de la revista en Málaga. El comienzo de todo. El comienzo perfecto. Samplers y efectos de sintetizadores nos invitan a sumergirnos en los cuatro minutos de efervescencia progresiva que marca el ritmo experimental del primer corte. Como atrevida, la guitarra sin perder su lugar va introduciendo ligeras melodías entre la dinámica bien pensada y la ejecución propia de los ritmos muñequeros del jazz de una batería que sube y baja el tempo como bailando con las líneas de bajo. Fuerza y delicadeza que nos llama al deleite e intenta ponernos akermit prueba al intentar sentir, en comunión con la mezcla de elementos y recursos modernos, la introducción al concepto y la historia que da sentido al disco. A partir de aquí, hay una peculiaridad importante en la estructura y es que todos y cada uno de los temas están unidos dando sentido el uno al otro. Si no estás pendiente, no sabes en que momento has pasado de tema. Siguiendo la línea del primer corte Samhain se abre paso, quizás, de una manera más contundente con la sensación de sentir que una vez estás dentro ya no puedes volver atrás. Rapidez y decisión son dos características inconfundibles del tema. Ritmos medidos con una batería que marca un conjunto que parece que intenta abrirse paso en una línea temporal marcada por pasos angostos llenos de advertencia para ir descendiendo bajo una melancólica melodía con la guitarra que hace del final que adquiera una luminosidad que cierra para dar paso al silencio. Es este mismo el que invita a Circumpolares, el tercer corte del lp, a comenzar con una bonita lírica recitada que nos invita, en cierto modo, a reflexionar. Un poema medido y marcado por los cambios instrumentales que, bastante pensados, hacen la función estructural de la composición. Llegamos a sentir el sonido abierto de los platos que marcan el dinamismo apropiado de este puente que explota distorsionado en un intento vago de llegar a destruir todo a su paso. We tripantu se presenta como ecuador del proyecto comenzando con un cántico tradicional mapuche que evoca la celebración del año nuevo. Tranquilidad progresiva dónde todo lleva un orden inequívoco y una calidez inusitadas. La sensación de esparcimiento controlado del tema culmina en un conjunto instrumental que, con fuerza, no pierde la sutileza.  El protagonismo total de la guitarra describe a Ineborg. El conjunto de los demás instrumentos simplemente sirven de base arropando a la historia que nos cuenta sobre este personaje de Roberto Bolaño. Sin dejar que nos desacostumbremos a la cambiante movilidad de tempo que caracteriza el trabajo de la formación, la guitarra se recrea entre melodías, riffs y solos adaptada como de manera totalmente cuidada al camino ya perfectamente demarcado. El solo de guitarra final es el perfecto enlace para abrir Magnitizdad single con el que la banda presentó este último trabajo. Con diferencia el tema más electrónico. Protagonismo de los samplers, de los ritmos compactos a ritmo de sintetizador que hace que los instrumentos ya no parezcan independientes. Como una fase programada que, de repente, introduce el viento-metal para que sea lo que de personalidad total y absoluta a la narrativa que nos presenta la canción. Finalmente, 1927 da título al último corte, haciendo referencia al año de cierre de la primera etapa de la revista. Once minutos que comienzan con una tranquilidad absoluta y un sonido leve y lineal que poco a poco va falleciendo como un susurro para dar paso a un saxo que conversa delicadamente con el sencillo ritmo de la percusión marcada por el inconfundible sonido del rebote en la caja. A partir de aquí, cambios definidos, abruptos y crudos es a lo que nos invita a disfrutar la belleza de la lírica recitada que de nuevo lleva a dar permiso al todo para descansar y cerrar esta etapa y dar paso así a poder empezar a trabajar con un nuevo mañana.

Para escuchar este disco es recomendable cerrar los ojos, ponerlo a volumen bien alto y sumergirse en el conjunto. Después, solo queda dejarse llevar.

Paloma D.

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#31#Familea Miranda / Picore / Alado Sincera (o la actitud personificada)

Cartel evento

Hacía tiempo que no tenía tanta expectación por acudir a un evento. Con expectación me refiero a ganas internas, de estás que  te hacen tener como  ilusión. Expectación no por no saber lo que me iba a encontrar, porque eso estaba bastante claro, sino por ver a esta gente en directo por primera vez.   Aquella noche íbamos a disfrutar de buen concierto. Y no, no me equivocaba. Y joder, que bien se siente el no fallar cuando no te equivocas con las afirmaciones.

Responsables de que esto pasase: Los señores Familea Miranda (Barcelona), Picore (Zaragoza) y Alado Sincera (Igualada / Barcelona). Como no podía ser de otra manera,  volvieron a poner patas arriba el Kasal de Roketas de la mano de Ojalá Estë mi Bici y Miranada. No puedo empezar a hablar de lo que, en general, vivimos el viernes pasado sin mencionar como punto irremediable de partida, el ambiente que se respiraba en el pequeño y hogareño agujero que es el Kasal. Lugar amado, siempre, por las historias que ya pueden hacerse carrera del sitio y las bandas que han pasado por ahí. Lugar no tan querido, a veces, por el calor pegajoso que hace que el aroma humeante que desprendes al salir sea apestosamente encantador. Pero joder, es que todo forma parte de un conjunto cojonudo que no tendría sentido si no fuese de esta manera. Personalmente, y debido al factor tiempo de mi estadía en la Condal, mi asistencia a los conciertos organizados por esta gente ha sido (hablando a escala de todos los saraos que montan) bastante nimia, aunque he de explicar que da mucho gusto llegar y darte de bruces con el humor encontrado de estos experimentados del DIY y el hacer por amor al arte. Bandas, amigos y desconocidos que se conocen hacen que todo se convierta en un conjunto cerrado haciendo del asunto principal, que es la música, se vuelva tan cotidiano que sea una delicia disfrutar de ello. Eso, y que las bandas que los señoritos se traen son ya un next level.

asDicho esto, y saliendo del paréntesis contextual, la noche, con la asistencia gradual de público que llenó el pequeño local hasta la extenuación, comenzó de la  mano de Alado Sincera. Respaldados por Repetidor Discs y con cuatro largos a la espalda Ven (2006)Cuidado Contigo (2008)Palimpsesto (2010) y Pacífico (2013) la banda formada por Daniel Ardura (voz, guitarras), David Berenguer (guitarra), Oriol Solé (bajo) y David Comas (batería) desenvolvió el setlist con la tranquila y segura ejecución instrumental que regala el tiempo. Sonido cuidado que nos contó la historia de su experiencia, repasando su trabajo de irreparable personalidad pop dónde la lírica toma inequívocamente un papel protagonista. Una ráfaga de indie rock del bueno, dónde las pinceladas entre temas denotaron la ligera diferencia entre unos y otros, matizando en todo momento la identidad de cada uno en la que el talante protagonista hizo redonda la unión instrumental y emocional entre los chicos. Ideal para abrir los oídos para disfrutar de unos Picore que entre el público animaban el ambiente calentando motores para saltar al escenario. ¡Y de qué manera, por dios!. En realidad la actitudpicore ante las cosas de Dani Jimenez (voz), Cristian Barros (guitarra), David García (bajo) y Pablo Jimenez (batería) no sorprende a todo aquel que ya los conoce mínimamente. Y no lo digo en base a estar experimentado en verles en directo, no. Ya solo si escuchas cualquiera de sus trabajos uno puede hacerse a la idea del rugido que se te viene encima con el buen hacer de lo que hacen que es, básicamente,  retorcerte los sentidos  para llegar hasta lo más profundo de uno mismo y hacerte parar a pensar que ha pasado.  Ahora sí, Imaginaos esa sensación pero en vivo; sería algo así como una  bofetada en la cara. Con una demo Disco Rosa (2001) y cuatro largos a la espalda La postura perfecta (2005)Lista completa de heridos (2007)Líbranos del mal (2009) e Imagínate que acierto (2011)la formación nos da permiso para disfrutar en persona la bola perfecta de sonido que mucha referencia acertada tiene con Shellac. Se me hace difícil desgranar su sonido sin hablar del conjunto que en el que los instrumentos, junto con la voz totalmente clave para comprender el todo, se coordinan y cuentan una historia que requiere ese esfuerzo y entendimiento del oyente. Todo el conjunto se repite y cambia de la misma forma, como si fuese un ente. Música difícil de tragar pero maravillosa de digerir. El siguiente nivel del entendimiento en el cual la actitud del interpretar volvió, con ellos, a darnos una lección.

fmAsí, de esta manera, y casi sin darnos cuenta Familea Miranda ya trotaba preparando el backline para poner punto y (casi) final a la velada. ¿Por dónde empezar?, tal vez está bien mencionar que la gente no se movía casi del sitio para no perder visión de lo que se venía encima. Estos chicos ya llevan muchos años metidos en esto. No creo que en general conozca una banda que se presenta tan cercana y que lleve tanto tiempo con la misma e increíble personalidad. No puedo evitar tener hablar desde la admiración que profeso hacía su trabajo (realmente casi descubierto para servidora) con una trayectoria marcada por más de 300 directos desde, que en 1999, este proyecto nacía en Chile y algo después se afincaba en Barcelona. Desde entonces; cinco discos a la espalda  FM (2001),Ferguson (2003)Ensayo / Error (2006)Llamando al desastre (2007) y Dramones (2011)  respaldados por Miranada discos, su sello autogestionado y distribuidos por otros como Quemasucabeza en Chile, Coraille en Alemania, Silver Rocket en la República Checa, Darla en USA y Bcore en Barcelona. Audiencia entregada ante la oleada de canciones salvajemente bien interpretadas por el trío que venían, con la frescura del girar, dispuestos a dejarnos pegados en el sitio. Alex, última incorporación a la batería, acompañándolos dando una energía rítmica insospechada y casi fuera de lo humanamente posible a las melodías y riffs de Katafú a la guitarra encajando perfectamente con las espectaculares líneas de bajo del señor Milo Gomberoff. A dos voces, el repaso al trabajo trajo himnos coreados por un público entregado que siguió a la perfección el contrapunto cambiante que caracterizan los temas del Rock Millonario de estos músicos. Todo esto, inexorablemente rociado, de un humor sobresaliente que los hace únicos en su especie.

Solo puedo decir que todos fuimos un poco más felices hace un par de Viernes. O nuestros oídos. Por lo menos.

Paloma D.

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#30# Valina – Container (o lo bonito del experimentar)

Valina band
Hace no mucho tiempo, hablando de las cosas en general, una noche de cualquier día en el que el plan era no tener plan supe, por vez primera, a través de mi partner musical a ritmo de “lo TIENES que escuchar”, que existía un grupo llamado VALINA. Y bueno, sí, llevan desde el año 1997 dejándose  ver, pero oye aunque sus tres últimos largos han sido grabados con el señor Albini, tienen unos cuantos eps, más de lo mismo en cuanto a 7’’ se refiere y su trabajo es impecable, no habían llegado aun a mis oídos. Gran descubrimiento con el cual he podido tener el placer de ir impregnando mi ser, poco a poco, con el trabajo que a lo largo de estos años han ido sacando a la luz.  No se nota que me gusta esta gente, ¿no? Cualquier loco del post-harcore que tenga un poco de gusto por la mandanga que pasa por Electrical Audio lo entendería perfectamente.

¿Y qué hacen, además, el señor Bogendorfer, el señor Huber y el señor Dürrschmid?, pues sacarse un discarral de la manga para que no tenga tiempo a aburrirme y, además, planear una gira Europea para otoño.

Claro, así, ¿quién no va a caer?

discsDespués de sus tres primeros largos Into an Arsenal of Codes (2000), Vagabond (2003) y  A tempo! A tempo! (2008) con los cuales la formación ya asentó su sonido en forma de bases solidas, aplastantes y progresivas melodías, líneas de bajo vertíginosas, cambios imposibles y la particular dinámica percutida (que no puede más que brillar por su jodida excelencia) publicó, el pasado Marzo, su cuarto proyecto titulado Container a través de Trost Records. El lp, que se compone de nueve cortes, se permite el lujo de seguir jugando con lo que venían haciendo hasta ahora pero con esos matices venidos de la capacidad del madurar. Un poco más luminoso, tal vez, al comienzo, pero sin duda, recorrer los nueve temas que componen este trabajo, significa abrir los sentidos a lo cotidianamente inusual.  Cotidiano porque el sonido sigue conservando la identidad que caracteriza a esta gente, inusual porque hay que entender que hay un nosequé diferente en todas y cada una de las canciones del largo que hacen que el carácter guerrero de los tres primeros trabajos se transforme en una declaración abierta por el gusto por lo experimental.

Lo de la luminosidad queda clara al escuchar los primeros riffs de Opium days,valina container canción elegida para abrir el largo. La guitarra se hace con el control del tema desde un principio, escupiendo una melodía rítmica que da fuerza y lucidez a la composición. Indudablemente se deja dar la mano por la compleja batería y la línea de bajo que actúa como un colchón sonoro imborrable. Coros dando el toque de calma seguida de tempestad que ellos mismos apagan cuando la canción por si sola lo pide para terminar. De este modo, seguir con Aileen es todo un acierto, pues, aunque de carácter algo más oscuro, al entrar en el epicentro de la historia de esta canción la progresión instrumental da la fuerza absoluta al estribillo que directamente deja la sensación de querer más en ese pequeño momento que precede al verso para volver a la carga con oleadas continuas de sonido.

The frame se proclama en tercer lugar, siendo por si sola un himno perfecto a la simplicidad, sorprendiendo precisamente por ser todo lo contrario a lo que nos tiene acostumbrado el trio eligiendo ejecutar el tema con melodías suaves y un tempo marcado por una batería y líneas de bajo sencillas que enlazan, de manera totalmente pensada y épica con Don’t you dare to scare me, Empty Wallet un golpe complejo y absoluto de fuerza como si fuese un brutal mazazo que rompe la tranquilidad de The frame.

Tormenta experimental con The Grumbler, frente viento metal con la compañía inequívoca del (todopoderoso) bajo para poner la nota oscura y rabiosa al proyecto. Penny Banner otro claro ejemplo de canción-enlace con, esencialmente, un rebote marcado a ritmo de redoble que hace de entradilla a una poderosa World against your Secret contundente siendo una bola sonora dónde los tres instrumentos forman parte de una misma línea. Nada sobresale, nada toma la voz cantante hasta el momento de acompañar a la voz de Anatol dónde el juego rítmico se demarca para hacer que el verso se engrandezca por si mismo. Saxo abriendo la historia de The very Eye of the Night que evoca (esto es un suponer) las horas intempestivas de la madrugada en cualquier urbe del mundo. Una línea repetitiva en dos minutos de canción que prepara a nuestro inconsciente para el final de esta entrega con (The assasination of) Perito Moreno. Tema rápido y directo a lo más profundo del entendimiento de cualquiera. Más que una canción, una historia que más que con partes, tiene fases que dejan clara una línea narrativa con principio, desarrollo y (crudo) final.

No mucho más que decir, pues Container es, en definitiva, una gran sorpresa inesperada en concreto y gran golpe arrasador en general.

Paloma D.

Más info:

http://www.valina.at/

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#29# The Entrance Band (o la psicodelia en estado puro)

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Si dijese que conozco esta banda; mentiría. Si dijese que llevaba días planeando ir a este concierto; mentiría. Si dijese que sabía que esta era la banda en la que toca habitualmente la señorita Paz Lenchantin, también; mentiría. Dicho esto y de manera evidente la gran razón de haber acudido ayer sin pensármelo al evento fue esta mujer. Eso, y la suerte de tener amigos que se enteran de las cosas interesantes que acontecen en esta ciudad y que te introducen en materia rápido, contagiando además, el entusiasmo necesario como para ponerse nervioso ante el hecho de no poder conseguir unas entradas.

Aunque todo aquel que conozca A Perfect Circle sabe de la existenciapaz lenchantin de esta bajista, su trabajo ha sido extenso durante todos estos años habiendo pasado por bandas de la talla de QOTSAZwan o Jarboe entre muchos otros tocando actualemnte con Pixies en su gira 2014 reemplazando a Kim Deal y Kim Shattuck. Pero lo que más me emociona del tema no es solo esto, ni que haya colaborado con muchos artistas dignos de mi (profunda y personal) admiración. El gran hecho es saber que vas a tener el placer de ver tocar a alguien que hace sonar un instrumento como si de usar sus propios pulmones para respirar se tratase.

Llegar ayer al lugar donde acontecía el evento significaba ir mentalizado a colarse sí o sí en el garaje-cueva setentero más recóndito de algún lugar en los Estados Unidos . Ambiente animado, entre melenas, patillas, pantalones ajustados, camisas estampadas y botines era lo que hacía que nosotros pareciésemos los intrusos en el pequeño local…¡Joder, Ya se respiraba rock incluso antes de ser abducido por la luz roja con la que ambientaron el concierto!. Y así, entre cerveza y cerveza y el bar de al lado los integrantes de la banda se paseaban como si danzando por su casa estuviesen entre la gente que allí se iba aglutinando poco a poco.


entranceEntrance
 es Guy Blakeslee (guitarra, voz), Derek James (batería) y Paz Lenchantin (bajo). Con cinco largos bajo el brazo  (el último de ellos Face the Sun publicado el pasado año) y cuatro EP’s son, por lo que viví ayer, expertos en enviarte directamente de viaje a otro mundo a través de los ritmos absorbentes de su psicodelia planificada. Melodías y riffs guitarreros en progresiones infinitas creaban,  al efecto de los pedales en la sala, un embotellamiento emocional que hacía al publico oscilar de manera como inconsciente. Líneas de bajo perfectas, que salían solas de los dedos de Paz para completar el kit de la cuestión con la dinámica a la batería de Derek. Pinceladas Stoner, inevitables, ligadas al conjunto sonoro de los tres integrantes que transmitían un halo místico para terminar de cerrar toda la composición.  El rodaje de la banda era notable, por supuesto, denotando inevitablemente la pasión por la música y por lo que hacen.  Ni un golpe mal dado, y si lo daban, estaba tan en consonancia con la energía que se gastaban que ni se notaba.

Sobra decir que la interpretación fue sublime y un punto clave del show. Verlos tocar era todo un espectáculo. Justamente la fluidez, la tranquilidad y lo que les sudaba reaccionar de cualquier manera en cualquier momento. Un gustazo verles.

Ahora, hoy, después de todo este no-plan satisfactorio entiendo, al buscar más información sobre estos chicos y tirarme la mayor parte del día escuchándolos, porqué vienen de dónde vienen y porqué van con quien van.

Salvajada celestial lo de ayer.

Paloma D.

Más info:

The Entrance Band

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#28# Lullavy + Sons Of Woods (o el silencio expectante)

cartel

Ya hacía unas semanas que tenía bien planeado a lo que iba a dedicar mi tiempo el Viernes pasado por la noche. Realmente, uno de esos planes que inevitablemente se hacen obligatorios después de unas espeluznantes festividades litúrgicas. Evidentemente, reina el hecho de tener ansia por disfrutar de la escena local cuando has estado desconectado unos días y el buen tiempo acompaña, así como la (lógica) excusa para disfrutar de la música en todo su esplendor que, además, si de amigos enseñando lo que hacen se trata, el pleno es total.

Después de más de seis meses sin tocar y con su excelente In the Fog bajo el brazo Sons of Woods volvía a deleitarnos con su sentido directo acompañados por Saúl a la guitarra acústica abriendo el show con su proyecto Lullavy.

La atmósfera de carácter familiar que se respiraba en el evento hizo que, además, lo cotidiano y la cercanía dejase paso a poder disfrutar con absoluto acierto lo que las bandas venían a ofrecer. Comentarios expectantes y susurrados, gente atropelladamente acomodada sacando taburetes que se suponían recogidos y la luz tenue que desprendía una tipografía luminosa en la pequeña sala daba paso a que Saúl se preparase para tocar escondido, a contraluz, tras únicamente su guitarra acústica.

lullavy (2)Lullavy se presentó ante mi de una manera totalmente nueva pues, curiosamente, la única vez que los he podido ver en directo la formación iba al completo. Digo curiosamente, porque este sevillano, precisamente, comenzó su proyecto en solitario hasta que, hace ya un tiempo, empezó a adaptar sus temas acompañados de bajo (Guillem) y batería (Ernest).  Secuestro inició el breve setlist que Saúl eligió para abrir la noche. Cantando en castellano, la tímida voz que caracterizó la esencia de las canciones daba a entender, a través de una sutil delicadeza, lo que Lullavy podía esconder en la trastienda. Temas como Madrugada o Veneno hacían patente la sensación de que iban a salir desgarrados en una explosión que se daría de un momento a otro para no llegar a hacerlo del todo. Letras llenas de lo que parecen ser vivencias, inteligentes, pensadas y con una rítmica muy personal bordaban los temas cortes engullidos por un público especialmente atento hasta que rotundamente y no con poca gratitud Saúl dio paso a Sons of Woods.

Sergi, Aitor y Héctor son los responsables de hacer que no nos moviésemos del asiento mientras brevemente ultimaban lossow preparativos para comenzar a tocar. Winter killers, When the cold was only ours y Secrets son los nombres de los tres temas nuevos con los que el trío se permitió abrir la velada. Tres oleadas del puro y bien cuidado sonido que los singulariza regalando al público emoción extrasensorial inmediata. Microfoneados solo en la voz, tirando de amplificador y batería a pelo, sonaron como nunca. El sonido limpio y claro de cada instrumento hizo que todas las partes se diferenciasen individualmente en un conjunto perfecto dónde ningún instrumento destacaba por encima del otro excepto, claro, en los momentos que era necesario. Como no podía ser de otro modo, las definidas melodías de la guitarra y voz de Sergi, el tempo pausado y la sólida base de las canciones respaldada por el bajo de Héctor y la batería de Aitor lograron crear la oscura y perfecta armonía folk que da forma a Sons of Woods. Pelos de punta al repasar su In the fog en el que no faltó el tema que da nombre al disco o algunos otros como Norhtside, Rising Tide o Breath in, Breath out no sin intercalar, para el goce del público, un par más de temas nuevos (The city soundtrack / Myths) en un concierto que nos dejó a todos en un estado de hipnosis latente.

Paloma D.

Sons of Woods Bandcamp

Lullavy (Mil espejos, Arma Nuclear)

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#27# NITCH – ATWA EP (o la distorsión pensada)

atwa

Hace casi dos años recibí una invitación para ir a un concierto en algún local de marina. Entonces no tenía muchos planes, pues aún estaba en proceso de descubrir qué se cocía en Barcelona con no mucho tino.  Así pues, tal como recibí la dirección del sitio allí me dirigí y allí me encontré con una sala más medio vacía que llena en la que estos chicos  (por entonces desconocidos para mi) acabaron ganándose mi absoluta simpatía. Por entonces llevaban al hombro su primer y autoproducido largo JC/29 y con el atrapante e hipnotizante directo que se marcaron aquel día empezaba para mí una historia en la que me sumergía de lleno en el descubrimiento ahora con total acierto de lo que Barcelona tenía, musicalmente hablando, que ofrecer.

Escúchatelo a ver qué te parece y si te apetece reséñatelo en elnitch blog, así recibía el adelanto de lo nuevo de NITCH hace dos semanas mientras aún digería las primeras escuchas del single God Knows.

Ya el Viernes pasado los tres de Barcelona presentaron en directo el ATWA ep, aprovechando la salida del cassete editado por Tigre Discs. Se trata de un nuevo trabajo formado por cuatro pensados y maduros cortes que evidencian el afán de la formación por cuidar el sonido que cada vez más destaca por ser mejor elaborado y contundente, denotando así, el crecimiento progresivo de la banda. No queriendo catalogar el ep atropelladamente haciendo un burdo juicio de valor puedo confirmar, sin embargo, que las melodías conseguidas con la distorsión guitarrera y experimental de Helio, las marcadas y bien ejecutadas líneas de bajo de Victor y la personalidad cuidada que marca la batería de Bruno al ritmo y dinamismo de los temas hace que este ep pueda ser increíblemente adictivo.

La naturaleza por lo experimental del sonido que marca la banda en este trabajo es absolutamente protagonista, haciendo que cada tema, aunque siga evidentemente una línea, tenga una personalidad diferenciada.  How did you es el responsable de dar el comienzo al proyecto de la banda en el cual las potentes líneas de bajo, acompañadas por la sincronizada batería y la guitarra, marcan el punto oscuro del corte que da paso a un Sunday, Sunday rítmico y enérgico dónde esta vez, es la guitarra la que coge el testigo ganador y juega con unos melódicos, una distorsión y unos acoples muy bien colocados. Seguidamente, y antes del colofón final, se presenta Time Machine que sigue la línea de sonido de toda la combinación instrumental tal vez, con más voz, con más pausas, pero con unos claros cambios guiados por una batería omnipresente, dejando a uno con la sensación de querer más. De este modo, se despiden, denotando un total (y ya acentuado en sus anteriores proyectos) arraigo por los 90s con God knows que se presenta como una reminiscencia melódica distorsionada muy propia e influenciada por un sonido noise muy demarcado. Finalmente, las voces pegadizas cantando al cielo ponen punto y final al trabajo y esfuerzo de nueve meses.

Acostumbrados a su potencial en el escenario, siempre más vigoroso que sus trabajos de estudio, puedo decir, que es un gusto escuchar el resultado final del formato digital. No quiero ni pensar que tal suenan en directo.

Sin duda, una buena jugada para comprobarlo pronto.

Paloma D.

Más en:

http://wenitch.bandcamp.com/

http://www.wenitch.tumblr.com/

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#26# ZIMT “TUBE KILLERS” (O LA BÉSTIA POST-HARDCORE DE TRES CABEZAS)

zimt tube killers cover

Descubrí esta animalada tarde, y justo leyendo la reseña, (por cierto, muy acertada) de Sergio Pozol en el blog La Crítica Musical, me di cuenta que nos pasó de la misma manera. Como bien dijo él, y espero que no se lo tome como un plagio sino como un homenaje, hay veces que la música viene a ti. A mí me vino de la mano de Luis Benavides, el amigo risueño, culo inquieto y el periodista del underground hardcore/punk por excelencia. Sus recomendaciones deben tomarse a pecho. Así que aquí estoy echando mano de la máquina y escuchando a Zimt, un animal de tres cabezas y   una de las referencias más maduras del hardcore melódico, que publica su disco “Tube Killers” gracias al buen criterio de Desert Pearl Union.

Ellos son Victor, Rafa y Txosse, con formaciones a sus espaldas como los ya desparecidos Her Only Presence, NoWayOut, Puerto Esperanza y Tetsuo. Dicen que se parecen a Hot Snakes, No More Lies e incluso Refused, pero su personalidad es muy particular. Mezclan rock’n’roll, emocore, post-hardcore y algunos dejes de screamo con un resultado de alta intensidad: Un bajo jodidamente grave, como tiene que ser, y con unas líneas bien trabajadas. Coros épicos, cantar suave y luego desgañitar-se, guitarras metaleras y un batería que sabe manejarse con los constantes cambios de ritmo que asechan en cada corte.

Zimt

Por sus canciones desfilan los nombres de 12 asesinos míticos, (el título del álbum no engaña). Desde los más evidentes, como la “Mamba Negra” de Kill Bill o “Jean Baptiste” de la novela de Patrick Süskind,  “El Perfume” a otros de más recónditos como  “Courtney” a la que apuntan como la perdición de Kurt Cobain, y “Gaia”, la madre tierra en la mitología griega, la arma letal primogénita.  Basta decir que estos dos últimos cortes son más pausados, pero de igual derroche pasional.  Mi preferida es sin duda “Jack ‘The Ripper’”, irrefutablemente adictiva como verán en el número de ‘repeats’ viciosos que le he hecho hoy en su bandcamp. Espero que me perdonen.

La pieza, además, viene en una impecable edición en CD, muy vintage y muy pop, a pesar decontener grandes cantidades de tralla. Ese fanatismo por coleccionar vinilos a veces nos hace olvidar lo detallista y digno de mención que puede ser un disco en este formato noventero, con su librito y carátula interna. Además, ¿Quién tiene un reproductor de vinilos en el coche?El lugar perfecto para escuchar a este trío y pegarte un buen viaje.

Pero para los que estéis hartos de reseñas y queráis escucharles en directo, que se promete igual de potente que su grabación, como espero comprobar en breve, dejo el dato de que los próximos conciertos serán el viernes 21 de marzo en el Circus de Cerdanyola del Vallès y el 23 de mayo en Les Golfes Club de Tarragona. ¡Acudid malditos!

ZIMT Tube Killers

A. Camprubí

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#25# SHONEN WANN (Video)

Conocí a Nacho “Shonen” hace ya unos meses. Era verano en el sur y sufríamos una oleada de calor infernal de estas que vienen tormentosas del desierto o algo así. Eran las tantas de la mañana y aunque el encuentro fue en el desmadre Canela la cosa resultó ser tremendamente productiva. Realmente, ya nos poníamos cara y se atisbaba una posible amistad prometedora cuando comenzamos a hablar de cosas varias en las que palabras como DC, Chicago y música predominaban. Un mes y medio antes de este encuentro, tuve la suerte (y lo digo literalmente porque de planeado nada) de verle tocar junto con su otra banda, All Sharks, en su primer directo en el concierto presentación de Allfits.

Así me enteré de la existencia de Otomo Recs., de sus influencias post hardcorianas, punk, emo y math. También del DIY que se estaba cociendo en la otra punta de la península, sin prisa pero sin pausa, y que se añadía al pequeño crecimiento de la vida musical y cultural que encabezaba el Colectivo Canela por la zona.

Destaco esto, porque tiene un sentido en toda esta historia (aparte de que el principal motivo de admiración predeterminada por esta gente hubiese sido el hacer sonar a Shonen Bat). Luego pasó el verano, y pasaron un par de meses, y Nacho y la gracia del sur acabó apareciendo de nuevo a los dos minutos de conversación el día que conocí a Ernest (Wann). Curioso, porque a pesar de que siempre he coincidido con Dani y Ernest en diversos eventos, este motivo hizo que, definitivamente, nos prestásemos la atención suficiente como para darnos en conjunto prioridad en las redes de interés común.  Resulta que ellos también habían gozado de la hospitalidad Malagueña ese verano y la verdad, nos sentíamos muy identificados con todo el panorama, curiosos por esto de “el mundo es un pañuelo” y de la coincidencia en experiencias vividas. Y de aquí, salió al final, salió un video en el que aparece todo el tinglado en conjunto. Emocionante, cuanto menos.

En fin, basta ya de sentimentalismos.

Al final, todo pasó más o menos así; aprovechando la presentación en Barcelona de Rubicone, el primer largo de Wann, Shonen Bat los acompañó, como banda invitada, en un par de fechas durante el fin de semana del 15 y 16 de Noviembre del pasado año En Barcelona y Manresa.  Un fin de semana de provecho dónde el dúo canario-barcelonés (o Dani (vox, guitarra) y Ernest (voz, batería)) presentaron de manera sobresaliente los nueve cortes que formaban el esperado lp, pues era un secreto bien guardado en la trastienda que fue, casi un año antes, grabado en La Caterva (Teide, Gran Canaria) producido y mezclado  por Jose Antonio López y masterizado por el señor Carl Staff (Staff Mastering-Chicago). Básicamente, un bonito trabajo emo que atrapa y desgarra basándose en su (muy) cuidada sencillez complicada y poca pretensión.

Shonen Bat también aprovechó la oportunidad, no solo para presentar los temas de No Competition, el back to the 90’s del año, un largo de esencia post hardcore con doce temas de sonido potente, crudo y cuidado que ellos mismos se han cocinado a la sombra de su sello, Otomo Recs, sino para que Nacho (voz y guitarra) y Luis (Batería) pudiesen estrenar a Álvaro como nuevo bajista de la formación.

Pero, en fin, por mucho que pueda decir ellos mismos os lo cuentan. Mucho mejor que yo, sin duda.

Paloma Durán.

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