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#34# “ROOMS” DE COHEN (O JUGANDO A SAW)

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Las habitaciones que nos proponen aquí los asalvajados Cohen es algo parecido a las mil cámaras de la famosa saga de James Wan. Te despiertas un día, en un cuarto que creías tranquilo y de golpe te encuentras en una yincana de trampas, cada cual más sorprendente y mortal. Para quién no conozca a los guipuzcoanos, este es el 4º álbum de su carrera, nada desestimable si tenemos en cuenta que llevan 300 conciertos a sus espaldas y han teloneado a Refused, referencia recurrente cuando se escuchan sus canciones, con un punto imprevisible y esquizoide. A eso me refiero cuando los comparo a Saw, hay un giro macabro en cada una de las ocho piezas editadas con mucho mimo por Desert Pearl Union, PickYourTwelve y FairWarning. Responsables del sonido de este último trabajo de trío son también Juan Blas de Nothink, quien les ha grabado en Westline Studios y Víctor García de Ultramarinos que le ha dado el master final. Por si fuese poco la edición en vinilo 12” es soberbia, entre la simbología satánico y la psicodelia hippie, un binomio oximorónico demencial.

¡Analicemos sus golpes fuertes! Llevo tantas semanas obligada a reseñar a productores de música electrónica, que cuando oigo las primeras notas de “Skywalker”, parecen las texturas de una espaciosa composición ambient, hasta que arranca la voz, indiscutiblemente a Refused, con fragmentos más melódico en la estela de Enginedown. Desde la primera pieza hay curvas peliagudas, entre la tensión contenida y la detonación final, la calma y la rabia, parece un remix de muchas canciones juntas. Para quién crea que el disco se va a disputar así llega “Renegade” más en sintonía con el math-rock, hasta desembocar en un hardcore más inmediato. En “Swan Song” la metralla de batería rompe la principal intuición de que iba a ser suave, entre esta canción y la banda Swans se me ha roto la concepción de que los cisnes eran sobrios y elegantes, ¡menuda tralla meten los cisnes! Ojo al susto del minuto 1:40. en la órbita de “Where Idols Once Stood” de Thrice. Si tuvieses que estar encerrado en una de estas canciones, ¿cuál elegirías? Mi favorita corre a mano de un factor externo, Wenda Novak es la encargada de poner voz a “Schröndinger’s Cat”, dándole un toque entre dulce y ácido a la épica de que habitual destila el disco.

cohen rooms

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#33# Mineral + Into it. Over it. @Black Cat (o la celebración de lo emocional)

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El pasado Abril de este año, como si un huracán de nostalgia se tragase dos bandas míticas y las escupiese directas a la exaltación de la necesidad de revivir las vivencias del sentimiento adolescente de los ya veteranos en la escena y de los aspirantes a completar el puzzle emocional más joven, se anunciaban dos esperadas giras de reunión. Muchos ya sabéis de lo que hablo y muchos nos frotamos los ojos aquel día ante la noticia de que Mineral y American Football ofrecerían un limitado número de shows en los Estados Unidos. American Football tuvo un gran sold out en ni siquiera un día. Mineral por el mismo camino, pero a un ritmo más lento. Y yo; pues comprándome la entrada “por si acaso” en Washington DC antes de comprarme el maldito billete de avión.

Puede sonar ridículo y, de verdad, no por esta acción me considero más fan que nadie, ni mucho menos, pues yo en aquella época, del 94 al 97, todavía casi tenía problemas para gestionar mi vida social infantil y el peso de los libros de texto del colegio en mi mochila. Pero el retorno a la sensibilidad que me hicieron vivir después, ya mayorcita y no hace tanto tanto tiempo, bien lo merecía.

Tarde ajetreada la del pasado día 9 de Septiembre, fecha del evento, con resquicios de Jet lag acumulado durante días. No sé si estaba nerviosa por el hecho de ir a ver un concierto que probablemente no podría ver en el mismo contexto nunca más, por el hecho de lo raro de ir sola yanniversary no tener a mis amigos disfrutándolo conmigo o del miedo a ser atracada en U street a punta de pistola mientras iba con mi idiotez guiri aparentando ser de allí de toda la vida. No es divertido, enserio, es que yo salía de casa a ritmo de DC es la segunda ciudad con murder rate más alto en el país. Pero daba igual, una vez más, la música me dio una patada en el culo para salir de casa la mar de digna. Y así, con estas sensaciones llegue a un Black Cat mítico y cerrado para aguardar en una cola casi perfecta y ordenada. Tranquilidad y expectación. Y puntualidad.

Admiración por un ambiente respetuoso, amigable, expectante y emocionado. Tranquilidad en una sala lo bastante espaciosa y bien distribuida para que todo el mundo más o menos pudiese disfrutar del espectáculo agusto y lo bueno de ver tan diverso público dentro de una gama de edades bastante extensa y con diferentes apariencias y motivaciones. Lo agradable del conversar y sentirte como pez en el agua destacaba como punto a favor así como el tener todo perfectamente preparado para el show que abriría Evan Thomas Weiss al frente de su proyecto Into it. Over it.

Into-It.-Over-It.1Considerado como una pieza clave del Emo revival vivido a partir del 2010, este músico de Cherry Hill en New Jersey y establecido en Chicago se presentaba en el escenario con la tranquilidad propia de la experiencia ganada desde 5º grado respaldado por la compañía de su banda en gira. Con una actitud agradecida, expectante y visiblemente emocionada comenzaban abriendo enérgicamente a ritmo de distorsión y rítmica directa a atrapar con Embracing Facts de su primer trabajo Proper. Sin parar el ritmo y con una energía vertiginosa mi primera toma de contacto con la banda fue, definitivamente, un viaje de dinamismo, con una linea de batería y bajo y melodías a dos guitarras sin ser complicadas en esencia pero elaboradas con una clase especial que hacían de la calidad musical algo destacable de la actuación. Eso, y la energía que se gastaban para no dejar un hueco del escenario sin aprovechar. Temas de sus dos trabajos publicados (Proper 2011, Intersections 2013) como Spinning ThreadDiscretion & Depressing People o Wearing White fluyeron a través de una sala entregada que coreaba las letras de las canciones interpretadas por el cuarteto. Abriendo boca para lo que se avecinaba cerraban y desmontaban para en diez minutos (sí, lo que leéis) estuviese todo el backline de los de Austin (o Houston, como prefiráis) preparado.

Y así, se daban paso Mineral, sin andarse con chiquitas y entrando directamente con Five, Eight & Ten con el cual una oleada de ovación se amontonaba en forma de empujón hacia elmineral escenario acompañando ese inconfundible riff de apertura del tema. Mientras retumbaba un “And I want to know the difference between what sparkles and what is gold” en la sala, era evidente la emoción de los componentes transformada en la manera de tocar. Era inevitable dejarse llevar dentro del pit que acabó formándose en la sala. La fuerza y la distorsión combinadas con las suaves melodías rasgadas con suavidad responsables de llevarnos por, precisamente, esos senderos abruptos característicos del Emo hicieron que las pensadas y directas guitarras de Chris Simpson y Scott McCarver encajasen tan perfectamente con las líneas rítmicas del bajo y la batería de Jeremy Gomez y Gabriel Wiley que nos dejaron con el sentimiento de haber sido despertados de un sueño de aquellos días de entusiasmo en los 90. Evidentemente no brillaron por su ausencia himnos como ALetterIf I Could&Serenading, Lovelettertypewritter o Parking Lot (para cerrar) que hicieron que aquel momento, épico, fuese infinito. Tampoco faltó tiempo para atender peticiones de los fans que de vez en cuando interactuaba con la banda. Ni para agradecer la vuelta al escenario de la mítica sala del Distrito que ya lleva un largo recorrido siendo una referencia en el mundo de la música independiente.

Tuve que correr para coger el último metro.

Puta maravilla.

Más info:

http://officialmineral.com/

http://intoitoverit.com/

http://www.blackcatdc.com/

Paloma D.

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#32# Kermit – Litoral (o la generación del nuevo milenio)

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Si soy del todo sincera, creo que nunca me hubiese fijado en el proyecto musical de Kermit por mi misma. No por nada en concreto, sinceramente, es simplemente la cantidad desmadrada de información de  la que disponemos hoy día. Musicalmente, miles de bandas navegan, nacen, perecen y divagan en la extensa red que compone el basto mundo digital, coronado a su vez, por el esquema espectral formado por las omnipresentes redes sociales que terminan de saturar la nimia capacidad cognitiva que a uno le queda con el fragor del día a día.

La primera toma de contacto con estos chicos, sin embargo, la hemos de agradecer a la locura anteriormente explicada. En forma de mail, el primero para Atom-ize por cierto, Itaca Records nos presentaba hace un par de meses el grueso de este proyecto de manera bastante organizada, seria y cuidada. Da gusto cuando alguien tiene tan en cuenta los detalles para ponérselo fácil a uno sobre todo cuando tienes que poder llegar a comprender lo complicado de un proyecto que se hace, con un sentido programado al detalle, homenajeando un movimiento difícil de transmitir sin una pequeña introducción.

Mi primera impresión, ante la interesante información que llegaba a mis manos, fue algo así como el sentir una desorganización mental incontrolable. La sensación de no saber ni por dónde empezar. Pasa mucho cuando comienzas desde cero, supongo. Se aparecía ante mi, de repente, de nuevo, la cultura española de principios de siglo XX que retrata la revolución de una sociedad con actitud de progreso y llena de riqueza cultural (la cual, hemos de señalar,  fue inmediatamente fusilada, exterminada y enterrada ante el monstruo del egoísmo anticultural y analfabeto en todos sus aspectos). Tengo que confesar que al ver en primera estancia que la revista Litoral era el elemento fundamental para que estos malagueños se hubiesen currado un disco me dio bastante miedo. Es algo que considero muy osado. El típico experimento que despierta la curiosidad del cumplir expectaciones. Pero claro, conceptuar un disco que dedica su esencia a la generación del 27 no puede hacer otra cosa que no sea, definitivamente, atraparme.

autoficcionDicho lo cual, centrémonos en la música y hablemos del trabajo de Gonzalo Presa (Guitarra, percusión y voces), Miguel Seguí (guitarra, sintetizador y samplers), Paco Trujillo (bajo) y Álvaro Parada (batería, voces, saxo soprano y tenor) que hace que Kermit sea, a día de hoy, un hecho tangible. Con ya un trabajo a la espalda, Autoficción, en forma de debut nacido en Noviembre de 2012, los chicos tímidamente ya se dieron a conocer dando los primeros pasos de forma decisiva. Dos años después nos presentan un homenaje como una entrega más de la revolucionaria revista que nace en el año 1926 de mano de  los grandes Emilio Prados y Manuel Altolaguirre. Después de un siglo, la pequeña revista sigue subsistiendo gracias al gran esfuerzo de preservar lo que la memoria y trabajo de Lorca, Dalí, Neruda, Picasso o Manuel de Falla (entre muchos otros grandes ilustres autores y artistas) fue el comienzo del esfuerzo por luchar y no perder la riqueza cultural que siempre ha estado por germinar en el país.

1926 es el título del primer tema que abre Litoral. Año de la fundación de la revista en Málaga. El comienzo de todo. El comienzo perfecto. Samplers y efectos de sintetizadores nos invitan a sumergirnos en los cuatro minutos de efervescencia progresiva que marca el ritmo experimental del primer corte. Como atrevida, la guitarra sin perder su lugar va introduciendo ligeras melodías entre la dinámica bien pensada y la ejecución propia de los ritmos muñequeros del jazz de una batería que sube y baja el tempo como bailando con las líneas de bajo. Fuerza y delicadeza que nos llama al deleite e intenta ponernos akermit prueba al intentar sentir, en comunión con la mezcla de elementos y recursos modernos, la introducción al concepto y la historia que da sentido al disco. A partir de aquí, hay una peculiaridad importante en la estructura y es que todos y cada uno de los temas están unidos dando sentido el uno al otro. Si no estás pendiente, no sabes en que momento has pasado de tema. Siguiendo la línea del primer corte Samhain se abre paso, quizás, de una manera más contundente con la sensación de sentir que una vez estás dentro ya no puedes volver atrás. Rapidez y decisión son dos características inconfundibles del tema. Ritmos medidos con una batería que marca un conjunto que parece que intenta abrirse paso en una línea temporal marcada por pasos angostos llenos de advertencia para ir descendiendo bajo una melancólica melodía con la guitarra que hace del final que adquiera una luminosidad que cierra para dar paso al silencio. Es este mismo el que invita a Circumpolares, el tercer corte del lp, a comenzar con una bonita lírica recitada que nos invita, en cierto modo, a reflexionar. Un poema medido y marcado por los cambios instrumentales que, bastante pensados, hacen la función estructural de la composición. Llegamos a sentir el sonido abierto de los platos que marcan el dinamismo apropiado de este puente que explota distorsionado en un intento vago de llegar a destruir todo a su paso. We tripantu se presenta como ecuador del proyecto comenzando con un cántico tradicional mapuche que evoca la celebración del año nuevo. Tranquilidad progresiva dónde todo lleva un orden inequívoco y una calidez inusitadas. La sensación de esparcimiento controlado del tema culmina en un conjunto instrumental que, con fuerza, no pierde la sutileza.  El protagonismo total de la guitarra describe a Ineborg. El conjunto de los demás instrumentos simplemente sirven de base arropando a la historia que nos cuenta sobre este personaje de Roberto Bolaño. Sin dejar que nos desacostumbremos a la cambiante movilidad de tempo que caracteriza el trabajo de la formación, la guitarra se recrea entre melodías, riffs y solos adaptada como de manera totalmente cuidada al camino ya perfectamente demarcado. El solo de guitarra final es el perfecto enlace para abrir Magnitizdad single con el que la banda presentó este último trabajo. Con diferencia el tema más electrónico. Protagonismo de los samplers, de los ritmos compactos a ritmo de sintetizador que hace que los instrumentos ya no parezcan independientes. Como una fase programada que, de repente, introduce el viento-metal para que sea lo que de personalidad total y absoluta a la narrativa que nos presenta la canción. Finalmente, 1927 da título al último corte, haciendo referencia al año de cierre de la primera etapa de la revista. Once minutos que comienzan con una tranquilidad absoluta y un sonido leve y lineal que poco a poco va falleciendo como un susurro para dar paso a un saxo que conversa delicadamente con el sencillo ritmo de la percusión marcada por el inconfundible sonido del rebote en la caja. A partir de aquí, cambios definidos, abruptos y crudos es a lo que nos invita a disfrutar la belleza de la lírica recitada que de nuevo lleva a dar permiso al todo para descansar y cerrar esta etapa y dar paso así a poder empezar a trabajar con un nuevo mañana.

Para escuchar este disco es recomendable cerrar los ojos, ponerlo a volumen bien alto y sumergirse en el conjunto. Después, solo queda dejarse llevar.

Paloma D.

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#30# Valina – Container (o lo bonito del experimentar)

Valina band
Hace no mucho tiempo, hablando de las cosas en general, una noche de cualquier día en el que el plan era no tener plan supe, por vez primera, a través de mi partner musical a ritmo de “lo TIENES que escuchar”, que existía un grupo llamado VALINA. Y bueno, sí, llevan desde el año 1997 dejándose  ver, pero oye aunque sus tres últimos largos han sido grabados con el señor Albini, tienen unos cuantos eps, más de lo mismo en cuanto a 7’’ se refiere y su trabajo es impecable, no habían llegado aun a mis oídos. Gran descubrimiento con el cual he podido tener el placer de ir impregnando mi ser, poco a poco, con el trabajo que a lo largo de estos años han ido sacando a la luz.  No se nota que me gusta esta gente, ¿no? Cualquier loco del post-harcore que tenga un poco de gusto por la mandanga que pasa por Electrical Audio lo entendería perfectamente.

¿Y qué hacen, además, el señor Bogendorfer, el señor Huber y el señor Dürrschmid?, pues sacarse un discarral de la manga para que no tenga tiempo a aburrirme y, además, planear una gira Europea para otoño.

Claro, así, ¿quién no va a caer?

discsDespués de sus tres primeros largos Into an Arsenal of Codes (2000), Vagabond (2003) y  A tempo! A tempo! (2008) con los cuales la formación ya asentó su sonido en forma de bases solidas, aplastantes y progresivas melodías, líneas de bajo vertíginosas, cambios imposibles y la particular dinámica percutida (que no puede más que brillar por su jodida excelencia) publicó, el pasado Marzo, su cuarto proyecto titulado Container a través de Trost Records. El lp, que se compone de nueve cortes, se permite el lujo de seguir jugando con lo que venían haciendo hasta ahora pero con esos matices venidos de la capacidad del madurar. Un poco más luminoso, tal vez, al comienzo, pero sin duda, recorrer los nueve temas que componen este trabajo, significa abrir los sentidos a lo cotidianamente inusual.  Cotidiano porque el sonido sigue conservando la identidad que caracteriza a esta gente, inusual porque hay que entender que hay un nosequé diferente en todas y cada una de las canciones del largo que hacen que el carácter guerrero de los tres primeros trabajos se transforme en una declaración abierta por el gusto por lo experimental.

Lo de la luminosidad queda clara al escuchar los primeros riffs de Opium days,valina container canción elegida para abrir el largo. La guitarra se hace con el control del tema desde un principio, escupiendo una melodía rítmica que da fuerza y lucidez a la composición. Indudablemente se deja dar la mano por la compleja batería y la línea de bajo que actúa como un colchón sonoro imborrable. Coros dando el toque de calma seguida de tempestad que ellos mismos apagan cuando la canción por si sola lo pide para terminar. De este modo, seguir con Aileen es todo un acierto, pues, aunque de carácter algo más oscuro, al entrar en el epicentro de la historia de esta canción la progresión instrumental da la fuerza absoluta al estribillo que directamente deja la sensación de querer más en ese pequeño momento que precede al verso para volver a la carga con oleadas continuas de sonido.

The frame se proclama en tercer lugar, siendo por si sola un himno perfecto a la simplicidad, sorprendiendo precisamente por ser todo lo contrario a lo que nos tiene acostumbrado el trio eligiendo ejecutar el tema con melodías suaves y un tempo marcado por una batería y líneas de bajo sencillas que enlazan, de manera totalmente pensada y épica con Don’t you dare to scare me, Empty Wallet un golpe complejo y absoluto de fuerza como si fuese un brutal mazazo que rompe la tranquilidad de The frame.

Tormenta experimental con The Grumbler, frente viento metal con la compañía inequívoca del (todopoderoso) bajo para poner la nota oscura y rabiosa al proyecto. Penny Banner otro claro ejemplo de canción-enlace con, esencialmente, un rebote marcado a ritmo de redoble que hace de entradilla a una poderosa World against your Secret contundente siendo una bola sonora dónde los tres instrumentos forman parte de una misma línea. Nada sobresale, nada toma la voz cantante hasta el momento de acompañar a la voz de Anatol dónde el juego rítmico se demarca para hacer que el verso se engrandezca por si mismo. Saxo abriendo la historia de The very Eye of the Night que evoca (esto es un suponer) las horas intempestivas de la madrugada en cualquier urbe del mundo. Una línea repetitiva en dos minutos de canción que prepara a nuestro inconsciente para el final de esta entrega con (The assasination of) Perito Moreno. Tema rápido y directo a lo más profundo del entendimiento de cualquiera. Más que una canción, una historia que más que con partes, tiene fases que dejan clara una línea narrativa con principio, desarrollo y (crudo) final.

No mucho más que decir, pues Container es, en definitiva, una gran sorpresa inesperada en concreto y gran golpe arrasador en general.

Paloma D.

Más info:

http://www.valina.at/

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#27# NITCH – ATWA EP (o la distorsión pensada)

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Hace casi dos años recibí una invitación para ir a un concierto en algún local de marina. Entonces no tenía muchos planes, pues aún estaba en proceso de descubrir qué se cocía en Barcelona con no mucho tino.  Así pues, tal como recibí la dirección del sitio allí me dirigí y allí me encontré con una sala más medio vacía que llena en la que estos chicos  (por entonces desconocidos para mi) acabaron ganándose mi absoluta simpatía. Por entonces llevaban al hombro su primer y autoproducido largo JC/29 y con el atrapante e hipnotizante directo que se marcaron aquel día empezaba para mí una historia en la que me sumergía de lleno en el descubrimiento ahora con total acierto de lo que Barcelona tenía, musicalmente hablando, que ofrecer.

Escúchatelo a ver qué te parece y si te apetece reséñatelo en elnitch blog, así recibía el adelanto de lo nuevo de NITCH hace dos semanas mientras aún digería las primeras escuchas del single God Knows.

Ya el Viernes pasado los tres de Barcelona presentaron en directo el ATWA ep, aprovechando la salida del cassete editado por Tigre Discs. Se trata de un nuevo trabajo formado por cuatro pensados y maduros cortes que evidencian el afán de la formación por cuidar el sonido que cada vez más destaca por ser mejor elaborado y contundente, denotando así, el crecimiento progresivo de la banda. No queriendo catalogar el ep atropelladamente haciendo un burdo juicio de valor puedo confirmar, sin embargo, que las melodías conseguidas con la distorsión guitarrera y experimental de Helio, las marcadas y bien ejecutadas líneas de bajo de Victor y la personalidad cuidada que marca la batería de Bruno al ritmo y dinamismo de los temas hace que este ep pueda ser increíblemente adictivo.

La naturaleza por lo experimental del sonido que marca la banda en este trabajo es absolutamente protagonista, haciendo que cada tema, aunque siga evidentemente una línea, tenga una personalidad diferenciada.  How did you es el responsable de dar el comienzo al proyecto de la banda en el cual las potentes líneas de bajo, acompañadas por la sincronizada batería y la guitarra, marcan el punto oscuro del corte que da paso a un Sunday, Sunday rítmico y enérgico dónde esta vez, es la guitarra la que coge el testigo ganador y juega con unos melódicos, una distorsión y unos acoples muy bien colocados. Seguidamente, y antes del colofón final, se presenta Time Machine que sigue la línea de sonido de toda la combinación instrumental tal vez, con más voz, con más pausas, pero con unos claros cambios guiados por una batería omnipresente, dejando a uno con la sensación de querer más. De este modo, se despiden, denotando un total (y ya acentuado en sus anteriores proyectos) arraigo por los 90s con God knows que se presenta como una reminiscencia melódica distorsionada muy propia e influenciada por un sonido noise muy demarcado. Finalmente, las voces pegadizas cantando al cielo ponen punto y final al trabajo y esfuerzo de nueve meses.

Acostumbrados a su potencial en el escenario, siempre más vigoroso que sus trabajos de estudio, puedo decir, que es un gusto escuchar el resultado final del formato digital. No quiero ni pensar que tal suenan en directo.

Sin duda, una buena jugada para comprobarlo pronto.

Paloma D.

Más en:

http://wenitch.bandcamp.com/

http://www.wenitch.tumblr.com/

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#26# ZIMT “TUBE KILLERS” (O LA BÉSTIA POST-HARDCORE DE TRES CABEZAS)

zimt tube killers cover

Descubrí esta animalada tarde, y justo leyendo la reseña, (por cierto, muy acertada) de Sergio Pozol en el blog La Crítica Musical, me di cuenta que nos pasó de la misma manera. Como bien dijo él, y espero que no se lo tome como un plagio sino como un homenaje, hay veces que la música viene a ti. A mí me vino de la mano de Luis Benavides, el amigo risueño, culo inquieto y el periodista del underground hardcore/punk por excelencia. Sus recomendaciones deben tomarse a pecho. Así que aquí estoy echando mano de la máquina y escuchando a Zimt, un animal de tres cabezas y   una de las referencias más maduras del hardcore melódico, que publica su disco “Tube Killers” gracias al buen criterio de Desert Pearl Union.

Ellos son Victor, Rafa y Txosse, con formaciones a sus espaldas como los ya desparecidos Her Only Presence, NoWayOut, Puerto Esperanza y Tetsuo. Dicen que se parecen a Hot Snakes, No More Lies e incluso Refused, pero su personalidad es muy particular. Mezclan rock’n’roll, emocore, post-hardcore y algunos dejes de screamo con un resultado de alta intensidad: Un bajo jodidamente grave, como tiene que ser, y con unas líneas bien trabajadas. Coros épicos, cantar suave y luego desgañitar-se, guitarras metaleras y un batería que sabe manejarse con los constantes cambios de ritmo que asechan en cada corte.

Zimt

Por sus canciones desfilan los nombres de 12 asesinos míticos, (el título del álbum no engaña). Desde los más evidentes, como la “Mamba Negra” de Kill Bill o “Jean Baptiste” de la novela de Patrick Süskind,  “El Perfume” a otros de más recónditos como  “Courtney” a la que apuntan como la perdición de Kurt Cobain, y “Gaia”, la madre tierra en la mitología griega, la arma letal primogénita.  Basta decir que estos dos últimos cortes son más pausados, pero de igual derroche pasional.  Mi preferida es sin duda “Jack ‘The Ripper’”, irrefutablemente adictiva como verán en el número de ‘repeats’ viciosos que le he hecho hoy en su bandcamp. Espero que me perdonen.

La pieza, además, viene en una impecable edición en CD, muy vintage y muy pop, a pesar decontener grandes cantidades de tralla. Ese fanatismo por coleccionar vinilos a veces nos hace olvidar lo detallista y digno de mención que puede ser un disco en este formato noventero, con su librito y carátula interna. Además, ¿Quién tiene un reproductor de vinilos en el coche?El lugar perfecto para escuchar a este trío y pegarte un buen viaje.

Pero para los que estéis hartos de reseñas y queráis escucharles en directo, que se promete igual de potente que su grabación, como espero comprobar en breve, dejo el dato de que los próximos conciertos serán el viernes 21 de marzo en el Circus de Cerdanyola del Vallès y el 23 de mayo en Les Golfes Club de Tarragona. ¡Acudid malditos!

ZIMT Tube Killers

A. Camprubí

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#22# La Castanya presenta: Za! + Deathfix (O la sorpresa inesperada)

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Hace ya unos meses, tantos que casi llegan al año, hice con mucha conciencia e ilusión una reseña de un disco que esperaba con más curiosidad que ganas. Y creedme, las ganas no eran pocas.  Por varios motivos me refiero a esto de escribir con conciencia e ilusión. Un motivo de peso era que nuestro pequeño rincón en la red acababa de nacer y yo me moría por compartir contenido del que realmente me apeteciese hablar. Otro motivo grande fue que, tras varios años de no escuchar o ver un trabajo de un miembro de Fugazi, se dejaba ver una nueva formación en la que Brendan Canty formaba parte. No solo eso, sino que además, traía en una nada desdeñable línea de fuego consigo a Rich Morel (Blowoff), Devin Ocampo (Faraquet, Medications) y Mark Cisneros (Medications) que proclamaba que la panda Dischord estaba más viva que nunca y que nos iban a soltar una bomba sonora. Deathfix empezaba a existir como algo tangible a nuestros oídos.

Cuando ocurren estas cosas no puedes evitar tener una mínima sensación de que tal vez, con un poco de suerte puedes llegar a verlos e incluso, tener la oportunidad de conocerlos, aunque fuese poco probable.

Por la misma época, una noche me acerqué a Sidecar a ver a mi querido amigo Wences al que había prometido un intercambio de libros. Además, se había autoprogramado para pinchar un poco de música así que la excusa para en aquel momento tener que coger un metro desde casi la luna merecía la pena. Los libros en cuestión para quien pueda gustar o interesar eran We Got Power!: Hardcore Punk Scene from 1980s Southern California, David Markey, Jordan Schwartz, Brazilion Point Books, Agosto 2012 y We Owe You Nothing, Punk Planet: The Collected Interviews, Punk Planet Books/Akashic Books, 2001-2008. Es importante el hecho de mencionar estos libros pues fueron un punto importante de que casualmente yo conociese a Joan Guàrdia aquella noche por el tener la curiosidad de saber quién era la dueña del primer libro mencionado. Un encuentro breve pero intenso en el que conocí La Castanya, su proyecto, sus ideas y pude compartir el germen de las mías. A muchos eventos he acudido desde entonces a raíz algunos organizados por ellos y otros no, pero casi siempre implicados de un modo u otro. Lo más importante la gente y los contactos que me he llevado de lo que los hago un poco responsables, en cierto modo, aunque no lo sepan. Desde luego, lo que nunca me iba a imaginar es recibir, hace como una semana, un evento de Facebook (que tuve que mirar dos veces bien) porque no me creía mucho que en cuestión de cuatro días fuesen a traer a la mismísima tropa de DC a Sant Feliu de Guixols. No tardé ni cinco minutos en ponerme a buscar a algún alma caritativa que me llevase hasta allí ese día pues hacía mucho tiempo que un concierto de una banda extranjera no me hacía tanta ilusión. Para colmo el combo lo completaba Za!, esa típica banda que siempre que he querido ver se me ha escapado por una razón u otra. Se rompería la maldición a lo puto grande, desde luego.

El alma caritativa (Ernest, gracias otra vez) me avisó el mismo día del concierto ofreciéndose a llevarme para compartir el espíritu Fugazi que nos movía a esta cita ineludible. Así, nos pusimos rumbo a Sant Feliu de Guixols costándonos salir de la urbe con un tráfico imposible. Pero llegamos y ahí estaba todo el mundo. Todo el mundo es todo el mundo necesario para que el Atzavara cumpla su función de lugar mítico, familiar y confortable. Puedo decir, muy alto, que como siempre, una de las cosas que nunca se pierde de este lugar es la sensación de cercanía y amistad con la gente, aunque no la conozcas de nada y eso que solo he tenido el gusto de estar tres veces contadas. Si tienes hambre no falta un plato de comida aderezado con una conversación y ahí nos vimos envueltos en una nube de nada disimulada emoción. Artistas y público reunidos, charlando y reencontrándose. Y entre las vivencias y el olor a parrilla Edu y Pau se vieron preparando los más de dos instrumentos que dan vida a Za!. He de destacar a Santi García como técnico de sonido del concierto, que sonó de cojones.

za!Za! es una de esas bandas que no te la explicas muy bien. Con esto quiero decir exactamente que no sabes de dónde narices sacan la energía para crear tan a lo loco. Y encima, con tanta pasión sumergida. Sumergida, porque luego cuando hacen su Wananai Flow interpretación todo explota y te salpica en la cara dejándote sin mucho que decir, con cara de idiota y la boca abierta. Comenzar con un sampler loco mezclando temas para empezar enlazando directamente con un enérgico y atronador dueto de batería y guitarra distorsionada que a nadie pudo dejar indiferente. Y ahí estaban, haciendo funcionar todos los cacharros que sonaban dentro de un caos sincronizado preparado como para no dar tiempo a reaccionar a lo que estaba pasando en la pequeña sala. Ritmos math rock muy complicados con extrema experimentación mezclando todo tipo de géneros.  Nadie podía estar quieto mientras la pareja daba forma a temas, principalmente, de sus últimos trabajos (Wanananai 2013, Gandula / Megaflow 2011, Gandula). Efectos, sintetizadores, loops, percusiones, trompeta, guitarra y un sin fin de creatividad y humor desmesurado hicieron destacar temas como El calentito o Gacela Verde entre muchos otros denotando lo importante que es el lazo de unión entre estos dos mortales que no paraban de interactuar entre si y con el público de una manera tan natural como la vida misma. Vaya espectáculo, señores. Puedo decir que Za!, definitivamente, es la definición física de sincronización y de orden dentro del caos.

Una buen comienzo para que el ánimo no decayese a lo que se esperaba a continuación; ver y escuchar tocar a Deathfix presentando su disco homónimo deathfixDeathfix (Dischord, 2013). Hay que puntualizar que Cisneros (batería) dejó este mismo otoño la formación para unirse a ella Jerry Busher (French Toast) en sustitución. Dicho esto, la banda solo necesitó el tiempo de un cigarro en montar su backline y empezar el show. El caramelo de la noche; escuchar una banda Dischord en directo y, seamos sinceros, cagarse encima de la emoción por ver tocar a un ex Fugazi. La comodidad en la que la banda se sentía era palpable interactuando con el público que les observaba atento desde el minuto 1. Expectación. Muchísima. Y primeros acordes de Low Lying Dreams para abrir la noche. No faltó ni un solo tema de su álbum debut pasando por las diferentes sensaciones que su trabajo pop rock (por catalogarlo de alguna manera pues denotamos muchas vertientes como atisbos glam o ritmos funk en las diferentes canciones que componen el largo) no ofrece. Melodías infinitas las de Playboy, transmisión de emociones con Hospital, desmadre y originalidad con Dali’s house, un Mind Control perfecto en un estallido de fuerza con guitarras dejándose casi llevar por si solas al compás del bajo, el ritmo de la batería y las melodías y efectos del sintetizador. Pretender cerrar para un bis con la magnifica Transmission no fue ningún error para terminar realmente con su hit Better than Bad.  La fuerza de los años, la profesionalidad y el buen sonido que la experiencia da a estos músicos no dejó de ser protagonista en toda la noche en la que la audiencia se portó de manera excelente creando una atmósfera bonita y casi intimista.

He de confesar que me tiré media noche de los nervios, pues el hecho de acercarme a Brendan era un mundo. Entre otras cosas por no parecer demasiado fan o evitar el típico comentario que, seguramente, el habría tenido que escuchar un millón de veces. “Compórtate” me dije varias veces a mi misma y eso hice, mucho también por timidez. Pero, al acabar el concierto y darme cuenta de que la oportunidad que se me había presentado era única no pude evitar ir directa a darle la mano y elogiar de manera muy fanática todo el transcurso de su carrera.

Voy a deciros que, después me di cuenta, que me llevé algo mucho más importante que una foto y un contacto el martes pasado y fue el darme cuenta del momento único que acababa de vivir esa noche. Todo porque al dar las gracias por venir el señor Canty el me dijo: “Eres muy simpática, pero las gracias no me las des a mi, dáselas a Joan y a La Castanya por hacer que estemos todos hoy aquí”. Así que no puedo decir otra cosa ni acabar de otra manera: Gracias chicos. A seguir haciendo cosas como esta que nos hacéis felices.

Paloma D.

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#21# NULT (O LA SECTA DEL NULTISME)

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Fa molts anys que tinc vistos a quasi tots els membres de Nult, de passada o bé perquè hem compartit classe. Són nois poc parladors i que sempre semblen portar-ne alguna entre mans.  Al 2007, durant la Setmana Cultural de l’Escola d’Arts de Vic, alguns d’ells van fer un concert  amb grup improvitzat que es deia Sex Sex Helen, en honor a la nostra professora de filosofia. Anys després a un dels primers Festival Hoteler, van tornar a tocar i vaig anar-hi per curiositat i per tornar-los a veure.  Van fer un concert molt allunyat dels seus primers temes més estripats, música honesta i experimental que evocava varietat de paisatges sonors i que mereixia que ens la prenguéssim molt a la valenta.  Des d’aleshores els he seguit la pista per tot el que han fet i esperava amb ganes l’oportunitat d’escriure aquesta ressenya perquè per fi han presentat el seu primer disc. Ara sé que el secret que aquesta colla es portava entre mans era Nult.

Nult són l’Arnau, l’Adrià, en Kike, en Marcel i l’Inkis i formen part de la successió de perles que ens han anat arribat últimament des d’Osona. Des de Germà Aire i tota la colla de grups sota el paraigües de Famèlic, el Festival Hoteler i la Jazz Cava a sorpreses més desconegudes i preciosistes com ells, que enriqueixen el panorama nacional. Pròxims a la figura de Negro amb el seu “Formación de Espíritu Nacional”, juguen amb les atmosferes i els sorolls per a crear la il·lusió d’un viatge sonor. Hi trobem guitarres líriques i ritmes progressius, però que a diferencia de molts dels seus contemporanis, s’allunyen dels paratges més fúnebres. Un clar exemple es la seva cançó “beauty”.

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En el seu llarg  “asil liseli” la sonoritat dels elements es té en compte des del mateix títol fins a les paraules que donen nom als temes, deslligats de significats lingüístics, busquen la bellesa i el so que amaguen les síl·labes. A cada nova cançó descobrim abstraccions de moltes influencies portades al seu estil personal. Es respira el fresc exotisme d’Animal Collective a “guda bahia”, però no deixa de ser un projecte reconeixiblement seu.

La clau es una barreja equitativa entre els sons analògics i els digitals, un joc de guitarres líriques i sorolls incorporats des de el teclat, on els uns no es fan estranys dels altres. La compacitat i complexitat de la mescla s’intuïa des de la presentació de “dan”, que juntament amb “guda bahia” o “bin” son alguns dels temes que van anar incorporant  com un primer tast del disc. Les seves melodies son transparents, de base naïve, de lleugeres similituds amb les de Dream Koala, però en moltes ocasions prescindint de les lletres i derivant tot el protagonisme a la instrumentació. Les paraules no es troben a faltar. És un grup per a gaudir en vinil o des de l’escenari d’un gran auditori i se’ns dubte, deixar-nos portar a paratges de bellesa intensa sense por a trobar-nos amb el costat fosc.

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[TRADUCCIÓN]

Hace muchos años que tengo vistos a casi todos los miembros de Nult, de pasada o bien porque hemos compartido clase. Son chicos poco habladores y siempre parecen llevarse algo entre manos. En 2007, durante la Semana Cultural de la Escuela de Arte de Vic, algunos de ellos hicieron un concierto con un grupo improvizado llamado Sex Sex Helen, en honor a nuestra profesora de filosofía. Años después a una de las primeras ediciones del Festival Hoteler, volvieron a tocar y fui por curiosidad y para volver a verles. Hicieron un concierto muy alejado de sus primeras canciones que eran más rasgadas. Música honesta y experimental que evocaba variedad de paisajes sonoros y merecía que nos la tomásemos valientemente. Desde entonces les he seguido la pista en todo lo que han estado haciendo y esperaba con ganas la oportunidad de escribir esta reseña, porque por fin han presentado su primer disco. Ahora sé que el secreto que esta cuadrilla se llevaba entre manos era Nult.

Nult son Arnau, Adrià, Kike, Marcel e Inkis y forman parte de la sucesión de perlas que nos han ido llegando últimamente desde Osona. Desde Germà Aire y toda la hermandad de grupos bajo el paraguas de Fampelic, el Festival Hoteler y la Jazz Cava, a sorpresas más desconocidas y preciosistas como ellos, que enriquecen el panorama nacional. Próximos a la figura de Negro con su “Formación de Espíritu Nacional”, juegan con las atmosferas y los ruidos para crear la ilusión de un viaje sonoro. Encontramos guitarras líricas y ritmos progresivos, pero que a diferencia de muchos de sus contemporáneos, se alejan de los parajes más fúnebres. Un claro ejemplo es su canción “beauty”.

En su largo “asil liseli” la sonoridad de los elementos se tiene en cuenta  desde el mismo título hasta las palabras que dan nombre a los temas, desligados de significados lingüísticos, buscan la belleza y el sonido que esconden las sílabas. A cada nueva canción descubrimos abstracciones de muchas influencias llevadas a su estilo personal. Se respira el fresco exotismo de Animal Collective en “guda bahía”, pero no deja de ser un proyecto reconociblemente suyo.

La clave es una mescla equitativa entre los sonidos analógicos y los digitales, un juego de guitarras líricas y los ruidos y voces incorporados desde el teclado, los unos no se extrañan de los otros. La compacidad y complejidad del combo se intuía desde la presentación de “dan”, que juntamente con “guda bahía” o “bin” son algunos de los temas que fueron incorporando  como una primera cata del disco. Sus melodías son transparentes, de base naife, de ligeras similitudes con Dream Koala, pero en muchas ocasiones prescindiendo de las letras y derivando todo el protagonismo a la instrumentación. Las palabras no se echan de menos. Es un grupo para disfrutar en vinilo o desde el escenario de un gran auditorio y sin duda, dejándonos llevar a parajes de belleza intensa sin miedo a encontrarnos con el lado oscuro.

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Aïda Camprubí

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##13# Bonne nuit, France (la deuxième partie)

Tout devint beaucoup plus idyllique grâce aux promenades inattendues dans Paris, sur le chemin d’un relatif repos, tout en pensant inévitablement à l’énorme contraste entre l’apparente majesté de la ville et la réalité de la situation mise en image par tout ce qu’on était en train de connaître de la scène culturelle underground. Deux éléments apparemment si différents mais tout aussi riches l’un que l’autre. Dans l’après-midi, passage obligé par La Jarry, lieu mythique de Paris. Lui aussi érigé sur les bases de l’autogestion, La Jarry lutte contre l’abandon des espaces disponibles dans lesquel de multiples possibilités se présentent pour profiter des installations d’une vieille usine, avec ses six étages vides, plein d’ateliers et d’espaces culturels très bien pensés. Le fait de parcourir autant de couloirs peints de toutes sortes de graffiti et autres formes d’art nous oblige presque à devoir les mémoriser pour arriver sur les lieux, qu’on aurait dit secrets, où se montera la soirée. Et quelle surprise de trouver un espace si bien préparé ! Chaleureux et professionnel, deux adjectifs indissociables, qui d’un coup, paraissaient évidents. La pièce où allait se dérouler le concert n’avait rien à envier à un quelconque studio d’enregistrement digne de ce nom. Nous y attendaient les membres  des Bécasses et de Keira Mount Keira, qui allaient nous surprendre plus tard avec un live incroyable.

Les Bécasses est le groupe type qui interpelle par le simple fait que deux filles en font partie. (En dehors des stéréotypes absurdes, s’il-vous-plaît). Mais à part ça, le power pop /punk alternatif qu’ils nous offrent est bien l’affaire de tous les IMG_7355membres de la formation. Des mélodies qu’on peut chantonner parfaitement dès la première écoute caractérisent le son frais et cru des histoires qu’ils nous racontent. Déjà deux longs Self-Titled (2012)/Angry Heart (2010) et une démo Les Bécasses démo (2006) nous prouvent le travail sérieux et sans relâche que ces gars ont investi dans leur musique jusqu’à ce jour. La voix et la IMG_7354guitare de Marion en première ligne rendent possible une parfaite union de tous les instruments, de la merveilleuse batterie d’Aurélie à la basse de Christophe qui bat gravement la mesure pour la faire fondre dans les mélodies qu’Olivier, deuxième voix du groupe, interprète avec la guitare. Presque sans qu’on s’en rende compte, ils nous mettent dans leur poche avec la force des chansons Penbroke Mystery, Liar Cheater ou Chinese Yuppie Failed.

Après ça, et presque sans faire de pause pour s’en remettre, Keira Mount Keira se chargeait de clore la soirée. Avant, les protagonistes du voyage, Subfobias, nous avaient éblouis améliorant IMG_7392de jour en jour leur live et terminant avec un spectaculaire solo de batterie d’Alex pendant que les trois membres du groupe français préparaient leurs instruments pour commencer à jouer. Keira Mount Keira c’est Rojo au chant et à la guitare, Vince à la basse et Rémi à la batterie, et aucun des trois ne prétend se distinguer du reste. Leur totale et limpide humilité devient la propre personnalité du groupe et donne une intensité hors du commun à leur interprétation ; ils sont attachés au moindre détail et veulent faire les choses bien (et ça se voit).Trois grands musiciens, leur musique oscille entre un IMG_7402mélange nuancé de leurs influences qui vont du grunge jusqu’au blues en passant par les lourdes teintes du stoner, mêlé à une intéressante psychédélie coloré de pop, le tout donnant forcément originalité à la base principale de leur musique, le rock. Ils sont comme le calme avant la tempête. Les hits comme #1(the end of the summer), début inattendu et spectaculaire de leur unique LP Première Salve (2012) le prouvent et le changement de structure au cœur des chansons est un moyen récurrent dans leur travail. Je ne peux pas choisir un thème en particulier car les cinq qui composent l’album sont tous foutrement bons. Mieux vaut l’écouter.

Avec tout ça, on a perdu le dernier métro à Paris. Mais l’avantage de traverser la ville en bus c’est qu’on peut la voir de nuit. Enfin, plus ou moins. Et presque sans s’en rendre compte on est déjà lundi. Et lundi, c’est Miroiterie. Parler de la Miroiterie veut dire beaucoup de choses à la fois. La première, c’est qu’on doit garder en tête que c’est le synonyme palpable du concept de lutte. Ça fait 10 ans déjà qu’elle résiste aux forces de l’ordre. Et fuir l’ordre établi implique de devoir payer chèrement le prix de la répression et de la peur injuste de voir se démonter une soirée à coup de matraque chaque fois qu’on en organise une. Mais résister, c’est vivre, et c’est vaincre. Et elle est toujours là, tel un grand exemple à suivre, tel un lieu mythique abordable librement. Je fais une parenthèse pour parler de quelque chose que j’ai admiré dès la première seconde dans ce voyage : le fait de mettre un prix libre à tout. Pas de prix fixe mais un prix choisi selon ce qu’on estime adapté à la soirée. Quand j’insiste là-dessus c’est parce que c’est quelque chose qui se fait réellement, et, me surprenant, ne fonctionne pas mal du tout. Il faut dire aussi que c’est un luxe de profiter de ces espaces adaptés comme ceux de Paris, qui rendent possible le fait de ne devoir payer que l’ingé son et non pas la salle. Bref, on s’était tous réunis à la Miroiterie pour mettre fin au voyage et dire au revoir à la scène française. Ça n’aurait pas pu mieux se passer. Comme thème principal des conversations, la situation de la scène française. Et on a tous beaucoup appris de tout le monde, des expériences, des gens et de la vie.

Le dernier groupe dont je vais parler est Henchman. C’est la nouveauté qui nous manquait et La Miroiterie était certainement le meilleur endroit pour la découvrir. On peut dire que c’était le plus approprié pour, comme ils disent,« IMG_7591faire un peu de bruit et le plus important, qu’on nous écoute ». Avec la conviction que le plus important est de jouer et d’essayer de lutter pour ce en quoi on croit avec cet art, le trio prouve en direct que lutter c’est décider, et ils décident de le faire remarquablement bien. Dans ce contexte et dans l’assez bonne acoustique qu’offraient les lieux, ils déchargèrent leur force punk IMG_7593 copiahardcore tout au long des thèmes que forme leur travail. Avec un EP Wolfpack récemment publié et un direct dans La Cantine de Belleville sur bandcamp, la bande, composée de Guillaume au chant et à la guitare, Vianney à la basse et Jérôme à la batterie et les chœurs, nous injecte une dose de son, de force et d’ idées avec les chansons Lies (part 1&2), Wolfpack, This is it, ou Take ten entre beaucoup d’autres. Un nouveau membre de l’alliance hardcore personnel qui gagne son titre avec mention excellent.

Ils ouvrirent de cette façon la soirée qui finirait par se transformer en une petite réunion familiale avec nos amis Keira Mount Keira et Louis Lingg qui revenaient pour en faire la parfaite soirée d’adieux. Une parfaite soirée d’adieux vers un long et triste voyage qu’on entamait la nuit même et qui nous ramenait à Barcelone. Tous chargés de bonnes intentions, ça oui. Et en admirant le paysage français d’un autre œil.

Fin du voyage

Paloma D.

Photos de Silvia Rare

Les Becasses Bandcamp

Keira Mount Keira Bandcamp

Henchman

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#14# Wind Atlas – The not found (o la fuerza infinita)

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Me acuerdo perfectamente de la primera vez que vi algo de Wind Atlas. Era un video de un directo en la sala Monasterio. Por aquel entonces creo que era solamente el grupo paralelo de Sergi (The Destroyed Room / Sons of Woods) y Andrea cantaba con él Years like Sheeps, tema que finalmente acabaría en el EP Minessota de The Destroyed Room.

En ese video ya había algo especial, algo muy bonito. Y muy bonitos fueron los conciertos que vinieron después. Cuando Andrea ya era la mitad de Wind Atlas y se te ponían los pelos de punta al verlos. Ya no eran solo las canciones (que lo son también, y mucho), eran ellos. Era escuchar a Andrea y flipar todos con su voz. Era ver a Sergi dándole la misma importancia al silencio que a los acordes. Era ver como se miraban y se sonreían a veces. Me estoy poniendo muy emocional, pero es que era eso. Era increíblemente emocional. Era como si te dejaran ver algo muy íntimo. Y eso pues era muy bonito, ¿qué queréis que os diga?.
La azotea de alguien, Luchador, la casa de Clara en Tarradell… y luego los chicos de A viva veu nos invitaron a participar en el Faraday. Wind Atlas dieron un conciertazo sentados en unas sillas (nosotros el peor de nuestras vidas) y nos los pasamos increíblemente bien ese fin de semana.

Poco a poco las canciones se fueron transformando. Bruce Springsteen le hacía sitio a Dead can Dance. El Folk se volvía más oscuro y Andrea cantaba con más fuerza. Entonces llegó Ophelia como adelanto de su 7″ y la cosa se puso seria.
Con el 7″ vino también la incorporación de Iván (Naturalesa Salvatge / Euria) a la guitarra en los directos. Y poco después Raúl (Tucán / Merda / y más grupos que me dejo) a la batería y percusiones varias. Y todo cambiaba de nuevo. Era más ambiental y menos folk, más oscuro y más denso.

Ya no era el grupo paralelo de Sergi, ni el grupo de Andrea y su novio. Eran Wind Atlas. Y eran cojonudos.
Con la transformación se perdieron cosas. Siempre se pierden. Ya no era todo tan intimo y minimalista. Pero a su vez se ganaron muchísimas más. Ganaron intensidad y ganaron presencia. Ganaron muchos más matices y poder crear atmósferas más complejas. En directo te siguen atrapando como el primer día. De una manera distinta quizás, pero igual de increíble.

Hace un par de meses se encerraron en un sótano de Bellvitge a grabar lo que se convertiría en The not found. Disco que hoy nos presentan.

The not found son 9 canciones. Aunque yo no me lo tomaría como un disco de canciones. Es más un todo, un paseo de 40 minutos. No se si es un disco bonito, desde luego es un disco muy agradable. Con voces que te abrazan y melodías escondidas. Un disco para escuchar y disfrutar. Mejor a oscuras y bien alto, como ellos dicen. Un paseo denso y por la oscuridad bien entendida, en el que a veces caminas con Cocteau Twins o Dead can Dance y a veces te quedas solo entre drones distantes. Pero sobre todo es un viaje con Wind Atlas. SI tengo que quedarme solo con una cosa de ellos es esa. Que son Wind Atlas y punto. Y yo estoy súper contento de que todo lo que han hecho haya llegado hasta este punto.

El disco lo editará Boston Pizza Records y podréis haceros con él en la gira que este verano les llevará por media península, empezando este Miércoles en la Fábrica Moritz de Barcelona:

12 de junio – Fabrica Moritz – Barcelona
21 de junio – Sala Underground – Barcelona
28 de junio – La Llimera – Valencia
29 de junio – Cafè de l’Arq – Benicarló
5/6 de junio – FARADAY 2013 – Vilanova i la Geltrú
10 de julio – Por confirmar – Asturias
11 de julio – Garufa – Coruña
12 de julio – Sala Velvet Underground – Lugo
13 de julio – A Reserva – Carballo
14 de julio – Labranza – Bueu
16 de julio – Cocodrilo Negro Bar – Ponferrada
17 de julio – El Amigo de las Tormentas – León
18 de julio – La Bohème – Talavera de la Reina
19 de julio – Nasti – Madrid
20 de julio – Concierto secreto fin de gira – Valencia

De momento siéntate en tu sillón de escuchar música, ponte los cascos y cierra los ojos un rato.

http://windatlas.bandcamp.com/

Aitor S.

Foto: Clara Román

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Something More Than Food

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